VISITAS

ARTESANÍAS CATALUÑA

Artesanías Cataluña es una fabrica que re interpreta la idea de los souvenir y las artesanías . Parten de un reconocimiento de lo que ofrece el mercado, evidenciando la imagen errónea que estos presentaban de la ciudad. Surge entonces un objetivo de creación de empresa, de productos útiles que permitan recordar una imagen mas clara de Cataluña. Se trata entonces de una creación local.
En si, lo que plantea la empresa, en una interacción entre artesanos y diseñadores que permita obtener productos con tradiciones locales para un mercado global. Lo que mas llama la atención entonces de esta idea, es la abstracción de los símbolos, la depuración de los mismos hasta convertirlos en objetos de uso.

LA SAGRADA FAMILIA

Más que una iglesia, más que una creencia, más que una estructura, más que un estilo, la Sagrada Familia es un monumento al pasado y al futuro, al hombre, a la naturaleza y a su fe. Nada en ella es banal, nada en ella es casualidad, pero nada tiene tampoco un uso único, ni un significado único, se trata de una pluralidad de signos y significados dialogando en una estructura singular en el mundo. Es imposible entender la complejidad de esta obra sin vivirla, es muy difícil describir su complejidad por que ni una imagen ni un video ni un dibujo podrán revelar la experiencia misma. Sin embargo, para aproximarse a su valor, veremos dos elementos fundamentales, la evolución del estilo y la búsqueda estructural y posteriormente las nociones intangibles de la misma.

Inicialmente la iglesia fue encargada al arquitecto Villa, quien planteo un diseño neo gótico. Este diseño se empezó a construir desde su ábside, en el costado norte. Sin embargo, el proyecto se suspendió, y le fue encargado a Gaudí. El arquitecto catalán, partió de la base que ya había dejado Villa, pero evoluciono hacia un nuevo estilo, propio de la sagrada familia, único y singular, que se apartaba de los parámetros existentes y buscaba la perfección estructural, la búsqueda de la altura y la luz, la conexión entre la tierra y el cielo. Al lado de la sagrada familia, las iglesias góticas parecen pesadas, cerradas, oscuras, Gaudí supera los límites del estilo gótico y le da al mundo una nueva forma de pensar la arquitectura y las creencias: a través de la naturaleza.

Gaudí remplaza los arcos ojivales por paraboloides, que alcanzan una mayor altura con una mayor esbeltez. La clave esta entonces en la continuidad de los elementos y el tejido entre ellos, como se muestra en sus maquetas invertidas con bolsas de arena. Esto genera a la vez grandes ventanales para los vitrales y la iluminación de la iglesia. Sin Embargo, lo más singular de la iglesia en términos de iluminación, es la aplicación de un hiperboloide sobre el ábside de la iglesia, una estructura de doble curvatura que permite que la entrada de luz se expanda hacia todas las direcciones.

La estructura de la iglesia se puede entender más fácilmente a partir de su simbología, donde en el centro  esta Jesús, dios hecho hombre, en una torre de 172 metros de alto, conectando el cielo y la tierra, a su lado está la torre de maría igualmente vertical pero un poco más baja. A su alrededor cuatro torres que simbolizan los cuatro evangelistas. Mas hacia afuera, hacia las tres fachadas de la iglesia, oriental, occidental y sur, se encuentran los 12 apóstoles. Finalmente, cada una de las fachadas tiene una temática y un estilo especifico, que revela un tipo de arquitectura, pero también un sentimiento y una fe. De tal manera, la oriental representa el nacimiento, la occidental representa la pasión y la sur la gloria.

No es fácil entender y describir la magnitud de esta iglesia, va mas allá de las palabras, mas allá de las creencias, incluso más allá del tiempo.

MUSEO PICASSO

A través de la visita del museo Picasso podemos ver la evolución pictórica del artista. Mas allá de clasificar a Picasso dentro de un estilo u otro, se trata de entender los diferentes procesos y estudios que lo llevan a la creación máxima de sí mismo y de su obra. Esta colección nos muestra el interés del artista en ir más allá del cuadro como plano, de llevarlo a una multidimesionalidad en donde se reinterpreta el tiempo y el espacio. Para ello, analizaremos 3 obras de esta galería, que nos llevan a entender este interés del artista y su evolución a lo largo de su carrera.

En primer lugar, analizaremos la obra Ciencia y Claridad. En esta primera obra, Picasso parte del estilo de pintura clásica pero explora la dimensión espacial y temporal a través de los efectos de la escena. El artista crea una escena en la que dependiendo de la perspectiva del espectador con respecto al cuadro se ve una perspectiva larga o corta de la imagen: desde el lado izquierdo la cama aparece corta, mientras que la misma obra vista desde la derecha la cama parece muy larga. Picasso juega entonces con el movimiento del espectador, buscando el dinamismo de la obra. Ya no se trata de una imagen completamente estática, puesto que se altera según la perspectiva, involucra entonces el movimiento y por lo tanto el tiempo y el espacio.

Más adelante, Picasso comienza a jugar con la noción de marco, en sus obras Muerte al nacer o Junto a la enfermera, plantea una crítica a lo que constituye el marco como elemento contenedor de las obras. En estos cuadros, Picasso realiza un marco dentro del marco de su cuadro, mostrando como la obra depasa el marco. La imagen se sale del retrato, haciendo una crítica a las formas tradicional del arte.

Finalmente, una de las colecciones más importantes de esta exposición, es la reinterpretación de las meninas de Velásquez por parte de Picasso. Para ello, el artista realiza un estudio de las de 45 pinturas, buscando encontrar la esencia de cada uno de los personajes y detalles de la obra, buscando reinterpretarlas dentro de esta intención dinámica por la que se caracteriza. Es entonces espectacular ver como toma cada una de las caras de las meninas e intenta descomponerlas, abstraerlas en sus diferentes planos, dándoles la noción de movimiento. Pero es aun más particular su reinterpretación de Velásquez, descompuesto en planos y con un lienzo roto. Es interesante ver como a la largo de su exploración, Picasso utiliza el color, para lograr depurar y entender cada uno de los detalles de la obra. Sin embargo, en la obra final propone una composición en escala de grises, que vuelve a la atmosfera original de la obra.

En conclusión, podemos ver como Picasso explora la multi dimensionalidad a través de sus obras. Sus obras buscan salir del cuadro, romper ese marco e interactuar con el tiempo y el espacio. 

PARQUE GUEL

El parque guel fue creado inicialmente como una urbanización entre 1900 y 1914, una de las primeras urbanizaciones planificadas de la ciudad. La plazoleta principal fue pensada como mirador, y la base de columnas como plaza de mercado. Fue inspirado en los jardines mediterráneos, especialmente de las ruinas de Delfos, a ello se debe entonces el tipo de vegetación y el uso de columnas dóricas entre otras. Sin embargo, alrededor de 1925 la urbanización fracasa con solo dos casas construidas, puesto que el sector donde se plantea el proyecto no le interesaba mucho a la sociedad catalana. En 1926, el ayuntamiento compra el proyecto y lo dispone como espacio público para la ciudad.

Actualmente, se trata entonces de un parque que contiene toda la complejidad de la ciudad, contiene su cultura, su música, y la mejor vista a la ciudad. El parque guell presenta una multiplicidad de ambientes, desde lo turístico, los campings, los niños jugando, los músicos: en él se encuentra desde lo más cotidiano hasta lo más exótico. 

LA PEDRERA

la pedrera es uno de los mas representativos proyectos de Gaudi en barcelona, un edificio con un estilo particular que le fue encargado por la familia Mila como un proyecto de vivienda para una familia poderosa de barcelona. Sus curvas y sus patios hacen de la pedrera un proyecto unico, que genera una estructura unica, una espacialidad que juega entre niveles e interiores y exteriores, pero a la ves un nivel de detalle casi unico. Un proyecto donde cada chapa de puerta, cada mueble, pero a la ves cada verntana y cada balcon implican un fuerte trabajo de diseno y de entendimiento de la nocion unica de gaudi.


MORERA DISING
Jose Maria Morera nos presento su estudio y la evolucion de sus proyectos, explicando como se da sobretodo el contacto con el cliente y el alcance que tiene el diseño del empaque sobre la marca y comercializacion de las mismas. Los conceptos mas importantes durante su conferencia se explican y se relacionan en la siguiente infografia: 

RECORRIDO MONTJUIC

PABELLÓN DE BARCELONA 

El pabellón fue diseñado para la exposición universal de Barcelona de 1929, con el animo de mostrar las nuevas tecnologías y concepciones arquitectónicas del momento. Mies  logra plasmar la imagen del modernismo en esta obra a partir de su simplicidad y pureza de los elementos, dando una sensación de absoluta perfección y tranquilidad.

Este pabellón, que fue el lugar de exposición de Alemania, a diferencia de los otros pabellones no fue desmontado, sino que permaneció vigente. Sin embargo, fue desmontado y luego reconstruido, buscando la mayor precisión de sus elementos.

MUSEO DE CATALUÑA
El museo de Cataluña presenta una amplia y variada colección, sin embargo en la visita nos enfocamos en tres estilos muy particulares, identificando las características y la concepción del mundo del momento. Veremos entonces como se da el románico, como se trasforma al gótico, y Luego saltaremos a la pintura barroca y moderna.

En el románico todas las figuras corresponden a cultos religiosos. Se trata de imágenes planas, colores pálidos, y caricaturiza ion de los personajes y elementos religiosos. Encontramos entonces que casi todo el arte románico se da a partir de grandes frescos que cubren muros y bóvedas generando una continuidad interesante entre cielo y tierra que complementa la idea arquitectónica de las basílicas.

El Gótico retoma entonces estos temas religiosos, pero los lleva tambien al campo de la enseñanza a partir del castigo y la recompensa. Surgen aquí entonces muchos trípodes, donde en el centro encontramos la figura de dios y la iglesia, a uno de los lado la del castigo y el infierno y al otro el cielo o paraizo. El arte gótico Comienza tambien a ser mucho mas expresivo a nivel de la vida cotidiana, representando los oficios, los pecados, y los castigos entre otros. A nivel pictórico se evidencia ya una intención de profundidad, en donde se comienzan a pintar fondos y se da una primera aproximación a la idea de perspectiva plana. Sin embargo, este volumen no es aun totalmente claro, las lineas de perspectiva suelen ser diferentes creando una imagen con varios puntos y lineas de horizonte.

finalmente, entramos en el arte barroco y moderno consignado en este museo Como se da una evolución del estilo pictórico y temático, a una elaboración mucho mas clara de la perspectiva, donde el paisaje y la naturaleza son protagonistas. Es aquí cuando surgen entonces esos cánones del arte que luego serán criticados y cuestionados por el arte moderno, pasando entonces de un arte figurativo a un arte abstracto.

MUSEO MIRÓ
La fundación Joan miro expone algunas de las obras mas importantes de este artista. En su obra se puede apreciar la total re interpretación de los símbolos y signos del arte. Miró se caracteriza por el juego de elementos dentro del plano, elementos que conviven formando imágenes parciales o completas y que Implican un juego de re interpretación tambien por parte del espectador. Lo interesante entonces de encontrarse frente a las obras de Miró, es entonces participar de ese juego de niños de darle sentido a las imágenes, darle significado a esos símbolos plasmados de manera integral sobre el lienzo.

ESTUDIOS VITRA Y VINCON

MACBA

El museo de arte contemporáneo de Barcelona fue diseñado por Richard Meier dándole una nueva cara a un sector deprimido de la ciudad. El bario el Raval era un sector marginal al borde de la ciudad antigua, un lugar oscuro, poco reconocido, y sin embargo, la intervención de Meier busca romper con esa oscuridad, poniendo un elemento blanco y transparente, un hito dentro del barrio que lo introduce en el paisaje cultural de la ciudad. Tanto en su interior como el exterior, se evidencia esta intención de claridad y de luz

MADRID

CENTRO CULTURAL MATADERO

El matadero es un complejo de cultura enfocado en la creación y desarrollo de proyectos en todos los campos artísticos y creativos. El proyecto se instala en un antiguo matadero, generando una renovación arquitectónica que permite darle un nuevo uso, pero sobre todo un nuevo significado a este complejo dentro de la ciudad. Vemos entonces como los espacios dentro del proyecto se recrean generando la mayor flexibilidad posible y dando lugar a una variedad y complementación de ambientes único en este tipo de proyectos. 

De tal manera,  a lo largo de la visita, fue posible descubrir algunos de estos espacios donde el eje conector es ese compromiso por la creación. Visitamos entonces un espacio experimental y de creación, un salón oscuro con una exposición de luces como contorno, un espacio que se sale de las concepciones tradicionales y que puede llegar a generar un nuevo ambiente de creación. Luego visitamos una sala de creación, en donde es posible colgar, amarrar, crear y construir, una planta abierta que permite desarrollar todo tipo de creaciones. Luego encontramos un espacio polivalente, donde se puede adaptar para la lectura, para la exposición o para el dialogo. 

Sin embargo, lo más impresionante son los salones y auditorios del complejo, que hechos con materiales muy sencillos, logran una muy buena acústica y un aspecto estético muy propios. Algo particular sucede también en espacios como el Salón de España, donde se genera un auditorio, restaurante, bar, que puede transformarse según el tipo de espectáculo o creación. De igual forma se crea un espacio de música, donde con arquitectura muy simple es posible crear módulos de creación y ensayo, así como contenedores de sacos de tierra en los cuales es posible realizar actividades e interpretaciones.

De tal manera, el complejo El Matadero, se convierte en un medio para la creación, un espacio en el que no solo se exponen obras, sino en los cuales se priorizan los procesos de las obrar más que el resultado mismo. En este sentido, el proyecto que antes era una fábrica de matar animales, es ahora una maquina de generación de ideas. 

MUSEO REINA SOFIA

La visita al museo Reina Sofía permite entender diferentes visiones del hombre moderno hacia el mundo. Se trata de sumergirse en los pensamientos y obras de muchos artistas congelados en este gran contenedor, este espacio que va más allá del tiempo y el espacio al contenerlos todos al mismo tiempo. La obra más impactante del museo Reina Sofía es claramente la Guernica de Picasso, sin embargo tuvimos la suerte de encontrar una exposición temporal de Salvador Dalí, con algunas de sus obras más importantes.

La Guernica de Picasso genera ante la vista un gran impacto, no solo por su extraordinaria dimensión sino por la claridad de su mensaje. Es un cuadro que te transporta inmediatamente a ese sentimiento de fragmentación y destrucción. Se trata de una referencia directa a la guerra civil española, al desmembramiento que implica tanto física como simbólicamente. Es tal vez por ello que dentro del cuadro, aparecen no solo hombres sufriendo, sino también otro tipo de criaturas, toro, caballo, y paloma, son también parte de este caos en revelación. Sin embargo, personalmente encuentro que Picasso, a pesar de mostrar con crueldad y frialdad esta deshumanización, presenta también una luz, una direccionalidad, una esperanza de algo mejor. Hacia el costado derecho construye una cierta perspectiva de profundidad, una luz y un mas allá que se puede incluso asemejar a la puerta trasera del cuadro de las meninas de Velázquez. Por esa puerta entran dos personajes, una mano y una cara, siendo absorbidos por ese punto de luz exterior. Es entonces esto lo que más me impacto del cuadro, esta dualidad entre una tragedia, entre el caos de la guerra, y esa pequeña luz, esa esperanza que aun existe en medio del desastre. 

La exposición temporal de Dali fue un recorrido por la vida y concepción del artista. El encanto de sus cuadros esta en el manejo de la profundidad, de los planos que se unen hacia el infinito, y las figuras que permiten un juego de miradas, un juego de mensajes que hablan al ir descubriendo los elementos de los cuadros. Uno de los que más me llamo la atención, fue entonces la metamorfosis de Narciso, donde el artista retoma un tema clásico y lo reinterpreta de una manera particular: a la izquierda esta narciso mirando su reflejo, ahorrándose en sí mismo, pero a la derecha, retomando la misma posición del mítico personaje, Dalí construye una mano sosteniendo un huevo del que brota la flor de narciso.  Se trata entonces de un lenguaje propio del artista, donde los elementos sueltos conversan entre formas y significados.

De tal manera, a pesar de no contar con el tiempo para recorrer todo el museo, es impresionante encontrar obras que te transmitan impactos tan fuertes, obras que te apartan por un momento de tu realidad, que hace que el tiempo y el espacio se detienen para contarte algo. Y sin embargo hay que salir, por que el trabajo continua, la vida se mueve y las horas en Madrid se agotan.