ARTESANÍAS CATALUÑA
Artesanías Cataluña es una fabrica que re interpreta la idea de los souvenir y las artesanías . Parten de un reconocimiento de lo que ofrece el mercado, evidenciando la imagen errónea que estos presentaban de la ciudad. Surge entonces un objetivo de creación de empresa, de productos útiles que permitan recordar una imagen mas clara de Cataluña. Se trata entonces de una creación local.
En si, lo que plantea la empresa, en una interacción entre artesanos y diseñadores que permita obtener productos con tradiciones locales para un mercado global. Lo que mas llama la atención entonces de esta idea, es la abstracción de los símbolos, la depuración de los mismos hasta convertirlos en objetos de uso.
LA SAGRADA FAMILIA
Más que una iglesia,
más que una creencia, más que una estructura, más que un estilo, la Sagrada
Familia es un monumento al pasado y al futuro, al hombre, a la naturaleza y a
su fe. Nada en ella es banal, nada en ella es casualidad, pero nada tiene
tampoco un uso único, ni un significado único, se trata de una pluralidad de
signos y significados dialogando en una estructura singular en el mundo. Es
imposible entender la complejidad de esta obra sin vivirla, es muy difícil
describir su complejidad por que ni una imagen ni un video ni un dibujo podrán
revelar la experiencia misma. Sin embargo, para aproximarse a su valor, veremos
dos elementos fundamentales, la evolución del estilo y la búsqueda estructural
y posteriormente las nociones intangibles de la misma.
Inicialmente la
iglesia fue encargada al arquitecto Villa, quien planteo un diseño neo gótico.
Este diseño se empezó a construir desde su ábside, en el costado norte. Sin embargo,
el proyecto se suspendió, y le fue encargado a Gaudí. El arquitecto catalán,
partió de la base que ya había dejado Villa, pero evoluciono hacia un nuevo
estilo, propio de la sagrada familia, único y singular, que se apartaba de los
parámetros existentes y buscaba la perfección estructural, la búsqueda de la
altura y la luz, la conexión entre la tierra y el cielo. Al lado de la sagrada
familia, las iglesias góticas parecen pesadas, cerradas, oscuras, Gaudí supera
los límites del estilo gótico y le da al mundo una nueva forma de pensar la
arquitectura y las creencias: a través de la naturaleza.
Gaudí remplaza los
arcos ojivales por paraboloides, que alcanzan una mayor altura con una mayor
esbeltez. La clave esta entonces en la continuidad de los elementos y el tejido
entre ellos, como se muestra en sus maquetas invertidas con bolsas de arena.
Esto genera a la vez grandes ventanales para los vitrales y la iluminación de
la iglesia. Sin Embargo, lo más singular de la iglesia en términos de
iluminación, es la aplicación de un hiperboloide sobre el ábside de la iglesia,
una estructura de doble curvatura que permite que la entrada de luz se expanda
hacia todas las direcciones.
La estructura de la
iglesia se puede entender más fácilmente a partir de su simbología, donde en el
centro esta Jesús, dios hecho hombre, en
una torre de 172 metros de alto, conectando el cielo y la tierra, a su lado
está la torre de maría igualmente vertical pero un poco más baja. A su
alrededor cuatro torres que simbolizan los cuatro evangelistas. Mas hacia
afuera, hacia las tres fachadas de la iglesia, oriental, occidental y sur, se
encuentran los 12 apóstoles. Finalmente, cada una de las fachadas tiene una
temática y un estilo especifico, que revela un tipo de arquitectura, pero
también un sentimiento y una fe. De tal manera, la oriental representa el
nacimiento, la occidental representa la pasión y la sur la gloria.
No es fácil entender y
describir la magnitud de esta iglesia, va mas allá de las palabras, mas allá de
las creencias, incluso más allá del tiempo.
MUSEO PICASSO
A través de la visita
del museo Picasso podemos ver la evolución pictórica del artista. Mas allá de
clasificar a Picasso dentro de un estilo u otro, se trata de entender los
diferentes procesos y estudios que lo llevan a la creación máxima de sí mismo y
de su obra. Esta colección nos muestra el interés del artista en ir más allá
del cuadro como plano, de llevarlo a una multidimesionalidad en donde se
reinterpreta el tiempo y el espacio. Para ello, analizaremos 3 obras de esta
galería, que nos llevan a entender este interés del artista y su evolución a lo
largo de su carrera.
En primer lugar,
analizaremos la obra Ciencia y Claridad. En esta primera obra, Picasso parte
del estilo de pintura clásica pero explora la dimensión espacial y temporal a
través de los efectos de la escena. El artista crea una escena en la que
dependiendo de la perspectiva del espectador con respecto al cuadro se ve una
perspectiva larga o corta de la imagen: desde el lado izquierdo la cama aparece
corta, mientras que la misma obra vista desde la derecha la cama parece muy
larga. Picasso juega entonces con el movimiento del espectador, buscando el
dinamismo de la obra. Ya no se trata de una imagen completamente estática, puesto
que se altera según la perspectiva, involucra entonces el movimiento y por lo
tanto el tiempo y el espacio.
Más adelante, Picasso
comienza a jugar con la noción de marco, en sus obras Muerte al nacer o Junto a
la enfermera, plantea una crítica a lo que constituye el marco como elemento
contenedor de las obras. En estos cuadros, Picasso realiza un marco dentro del
marco de su cuadro, mostrando como la obra depasa el marco. La imagen se sale
del retrato, haciendo una crítica a las formas tradicional del arte.
Finalmente, una de las
colecciones más importantes de esta exposición, es la reinterpretación de las
meninas de Velásquez por parte de Picasso. Para ello, el artista realiza un
estudio de las de 45 pinturas, buscando encontrar la esencia de cada uno de los
personajes y detalles de la obra, buscando reinterpretarlas dentro de esta
intención dinámica por la que se caracteriza. Es entonces espectacular ver como
toma cada una de las caras de las meninas e intenta descomponerlas, abstraerlas
en sus diferentes planos, dándoles la noción de movimiento. Pero es aun más
particular su reinterpretación de Velásquez, descompuesto en planos y con un
lienzo roto. Es interesante ver como a la largo de su exploración, Picasso
utiliza el color, para lograr depurar y entender cada uno de los detalles de la
obra. Sin embargo, en la obra final propone una composición en escala de
grises, que vuelve a la atmosfera original de la obra.
En conclusión, podemos
ver como Picasso explora la multi dimensionalidad a través de sus obras. Sus
obras buscan salir del cuadro, romper ese marco e interactuar con el tiempo y
el espacio.
PARQUE GUEL
El parque guel fue
creado inicialmente como una urbanización entre 1900 y 1914, una de las
primeras urbanizaciones planificadas de la ciudad. La plazoleta principal fue
pensada como mirador, y la base de columnas como plaza de mercado. Fue inspirado
en los jardines mediterráneos, especialmente de las ruinas de Delfos, a ello se
debe entonces el tipo de vegetación y el uso de columnas dóricas entre otras. Sin
embargo, alrededor de 1925 la urbanización fracasa con solo dos casas
construidas, puesto que el sector donde se plantea el proyecto no le interesaba
mucho a la sociedad catalana. En 1926, el ayuntamiento compra el proyecto y lo
dispone como espacio público para la ciudad.
Actualmente, se trata entonces de un parque que
contiene toda la complejidad de la ciudad, contiene su cultura, su música, y la
mejor vista a la ciudad. El parque guell presenta una multiplicidad de
ambientes, desde lo turístico, los campings, los niños jugando, los músicos: en
él se encuentra desde lo más cotidiano hasta lo más exótico.
LA PEDRERA
la pedrera es uno de los mas representativos proyectos de Gaudi en barcelona, un edificio con un estilo particular que le fue encargado por la familia Mila como un proyecto de vivienda para una familia poderosa de barcelona. Sus curvas y sus patios hacen de la pedrera un proyecto unico, que genera una estructura unica, una espacialidad que juega entre niveles e interiores y exteriores, pero a la ves un nivel de detalle casi unico. Un proyecto donde cada chapa de puerta, cada mueble, pero a la ves cada verntana y cada balcon implican un fuerte trabajo de diseno y de entendimiento de la nocion unica de gaudi.
MORERA DISING
Jose Maria Morera nos presento su estudio y la evolucion de sus proyectos, explicando como se da sobretodo el contacto con el cliente y el alcance que tiene el diseño del empaque sobre la marca y comercializacion de las mismas. Los conceptos mas importantes durante su conferencia se explican y se relacionan en la siguiente infografia:
RECORRIDO MONTJUIC
PABELLÓN DE BARCELONA
El pabellón fue diseñado para la exposición universal de Barcelona de 1929, con el animo de mostrar las nuevas tecnologías y concepciones arquitectónicas del momento. Mies logra plasmar la imagen del modernismo en esta obra a partir de su simplicidad y pureza de los elementos, dando una sensación de absoluta perfección y tranquilidad.
Este pabellón, que fue el lugar de exposición de Alemania, a diferencia de los otros pabellones no fue desmontado, sino que permaneció vigente. Sin embargo, fue desmontado y luego reconstruido, buscando la mayor precisión de sus elementos.
MUSEO DE CATALUÑA
El museo de Cataluña presenta una amplia y variada colección, sin embargo en la visita nos enfocamos en tres estilos muy particulares, identificando las características y la concepción del mundo del momento. Veremos entonces como se da el románico, como se trasforma al gótico, y Luego saltaremos a la pintura barroca y moderna.
En el románico todas las figuras corresponden a cultos religiosos. Se trata de imágenes planas, colores pálidos, y caricaturiza ion de los personajes y elementos religiosos. Encontramos entonces que casi todo el arte románico se da a partir de grandes frescos que cubren muros y bóvedas generando una continuidad interesante entre cielo y tierra que complementa la idea arquitectónica de las basílicas.
El Gótico retoma entonces estos temas religiosos, pero los lleva tambien al campo de la enseñanza a partir del castigo y la recompensa. Surgen aquí entonces muchos trípodes, donde en el centro encontramos la figura de dios y la iglesia, a uno de los lado la del castigo y el infierno y al otro el cielo o paraizo. El arte gótico Comienza tambien a ser mucho mas expresivo a nivel de la vida cotidiana, representando los oficios, los pecados, y los castigos entre otros. A nivel pictórico se evidencia ya una intención de profundidad, en donde se comienzan a pintar fondos y se da una primera aproximación a la idea de perspectiva plana. Sin embargo, este volumen no es aun totalmente claro, las lineas de perspectiva suelen ser diferentes creando una imagen con varios puntos y lineas de horizonte.
finalmente, entramos en el arte barroco y moderno consignado en este museo Como se da una evolución del estilo pictórico y temático, a una elaboración mucho mas clara de la perspectiva, donde el paisaje y la naturaleza son protagonistas. Es aquí cuando surgen entonces esos cánones del arte que luego serán criticados y cuestionados por el arte moderno, pasando entonces de un arte figurativo a un arte abstracto.
MUSEO MIRÓ
La fundación Joan miro expone algunas de las obras mas importantes de este artista. En su obra se puede apreciar la total re interpretación de los símbolos y signos del arte. Miró se caracteriza por el juego de elementos dentro del plano, elementos que conviven formando imágenes parciales o completas y que Implican un juego de re interpretación tambien por parte del espectador. Lo interesante entonces de encontrarse frente a las obras de Miró, es entonces participar de ese juego de niños de darle sentido a las imágenes, darle significado a esos símbolos plasmados de manera integral sobre el lienzo.
ESTUDIOS VITRA Y VINCON
MACBA
El museo de arte contemporáneo de Barcelona fue diseñado por Richard Meier dándole una nueva cara a un sector deprimido de la ciudad. El bario el Raval era un sector marginal al borde de la ciudad antigua, un lugar oscuro, poco reconocido, y sin embargo, la intervención de Meier busca romper con esa oscuridad, poniendo un elemento blanco y transparente, un hito dentro del barrio que lo introduce en el paisaje cultural de la ciudad. Tanto en su interior como el exterior, se evidencia esta intención de claridad y de luz
MADRID
CENTRO CULTURAL MATADERO
El matadero
es un complejo de cultura enfocado en la creación y desarrollo de proyectos en
todos los campos artísticos y creativos. El proyecto se instala en un antiguo
matadero, generando una renovación arquitectónica que permite darle un nuevo
uso, pero sobre todo un nuevo significado a este complejo dentro de la ciudad.
Vemos entonces como los espacios dentro del proyecto se recrean generando la mayor
flexibilidad posible y dando lugar a una variedad y complementación de
ambientes único en este tipo de proyectos.
De tal
manera, a lo largo de la visita, fue
posible descubrir algunos de estos espacios donde el eje conector es ese
compromiso por la creación. Visitamos entonces un espacio experimental y de
creación, un salón oscuro con una exposición de luces como contorno, un espacio
que se sale de las concepciones tradicionales y que puede llegar a generar un
nuevo ambiente de creación. Luego visitamos una sala de creación, en donde es
posible colgar, amarrar, crear y construir, una planta abierta que permite
desarrollar todo tipo de creaciones. Luego encontramos un espacio polivalente,
donde se puede adaptar para la lectura, para la exposición o para el dialogo.
Sin embargo,
lo más impresionante son los salones y auditorios del complejo, que hechos con
materiales muy sencillos, logran una muy buena acústica y un aspecto estético
muy propios. Algo particular sucede también en espacios como el Salón de
España, donde se genera un auditorio, restaurante, bar, que puede transformarse
según el tipo de espectáculo o creación. De igual forma se crea un espacio de
música, donde con arquitectura muy simple es posible crear módulos de creación
y ensayo, así como contenedores de sacos de tierra en los cuales es posible
realizar actividades e interpretaciones.
De tal
manera, el complejo El Matadero, se convierte en un medio para la creación, un
espacio en el que no solo se exponen obras, sino en los cuales se priorizan los
procesos de las obrar más que el resultado mismo. En este sentido, el proyecto
que antes era una fábrica de matar animales, es ahora una maquina de generación
de ideas.
MUSEO REINA SOFIA
La visita
al museo Reina Sofía permite entender diferentes visiones del hombre moderno
hacia el mundo. Se trata de sumergirse en los pensamientos y obras de muchos
artistas congelados en este gran contenedor, este espacio que va más allá del
tiempo y el espacio al contenerlos todos al mismo tiempo. La obra más
impactante del museo Reina Sofía es claramente la Guernica de Picasso, sin
embargo tuvimos la suerte de encontrar una exposición temporal de Salvador Dalí,
con algunas de sus obras más importantes.
La Guernica
de Picasso genera ante la vista un gran impacto, no solo por su extraordinaria dimensión
sino por la claridad de su mensaje. Es un cuadro que te transporta
inmediatamente a ese sentimiento de fragmentación y destrucción. Se trata de
una referencia directa a la guerra civil española, al desmembramiento que
implica tanto física como simbólicamente. Es tal vez por ello que dentro del
cuadro, aparecen no solo hombres sufriendo, sino también otro tipo de
criaturas, toro, caballo, y paloma, son también parte de este caos en revelación.
Sin embargo, personalmente encuentro que Picasso, a pesar de mostrar con
crueldad y frialdad esta deshumanización, presenta también una luz, una
direccionalidad, una esperanza de algo mejor. Hacia el costado derecho
construye una cierta perspectiva de profundidad, una luz y un mas allá que se
puede incluso asemejar a la puerta trasera del cuadro de las meninas de Velázquez.
Por esa puerta entran dos personajes, una mano y una cara, siendo absorbidos por
ese punto de luz exterior. Es entonces esto lo que más me impacto del cuadro,
esta dualidad entre una tragedia, entre el caos de la guerra, y esa pequeña luz,
esa esperanza que aun existe en medio del desastre.
La exposición
temporal de Dali fue un recorrido por la vida y concepción del artista. El
encanto de sus cuadros esta en el manejo de la profundidad, de los planos que
se unen hacia el infinito, y las figuras que permiten un juego de miradas, un
juego de mensajes que hablan al ir descubriendo los elementos de los cuadros. Uno
de los que más me llamo la atención, fue entonces la metamorfosis de Narciso,
donde el artista retoma un tema clásico y lo reinterpreta de una manera
particular: a la izquierda esta narciso mirando su reflejo, ahorrándose en sí
mismo, pero a la derecha, retomando la misma posición del mítico personaje, Dalí
construye una mano sosteniendo un huevo del que brota la flor de narciso. Se trata entonces de un lenguaje propio del
artista, donde los elementos sueltos conversan entre formas y significados.
De tal
manera, a pesar de no contar con el tiempo para recorrer todo el museo, es impresionante
encontrar obras que te transmitan impactos tan fuertes, obras que te apartan
por un momento de tu realidad, que hace que el tiempo y el espacio se detienen
para contarte algo. Y sin embargo hay que salir, por que el trabajo continua,
la vida se mueve y las horas en Madrid se agotan.
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